Top 70 des meilleures planches de manga qui vous éblouiront

Ce panneau est sans doute le plus emblématique de Slam Dunk. On peut y voir le high five de Sakuragi et Rukawa à la fin du match de la finale.

Après s’être détestés pendant des années, ils affichent ce moment de camaraderie.

Dans cette planche, Takehiko Inoue a utilisé des lignes d’action pour montrer la fluidité du mouvement.

Il les a également ombrées pour capturer l’émotion qui se cache derrière la scène. Cette abstraction détermine l’ambiance et la composition du dessin.

Cette scène illustre l’affrontement final entre Tenma Kenzo et Johan. Observez l’utilisation que fait Naoki Urasawa des ombres et des dégradés pour créer de la dimension dans cette scène.

Si l’on regarde de plus près les montagnes, le graphite se reflète et crée des contours doux. En effet, cela fait écho à l’herbe et au paysage que l’on trouve dans les montagnes de la vie réelle.

Oyasumi Punpun est un manga dramatique sur le passage à l’âge adulte. Bien qu’il s’agisse d’une lecture plutôt déprimante, il contient certaines des planches de manga les plus bluffantes que nous ayons jamais vues.

Prenez cette scène en particulier, par exemple. Les détails des arbres et du hangar donnent l’impression qu’il s’agit d’une photographie et non d’un dessin.

Cette image de nuit étoilée du manga mérite également d’être mentionnée. La joie et l’émerveillement qui s’en dégagent contrastent avec les thèmes plutôt sombres d’Oyasumi Punpun.

L’utilisation de la lumière et de l’obscurité est particulièrement étonnante. On peut presque imaginer le dessin en couleur.

Yoshikazu Hamada est un artiste brillant qui maîtrise parfaitement l’anatomie. L’image est incroyablement bien bloquée, le niveau de détail étant proportionnel à l’échelle de la vue.

Otoyomegatari est l’un des meilleurs mangas de romance historique jamais écrits.

Cependant, son scénario n’est pas la seule chose qui le distingue. Le dessin de Kaoru Mori dans ce manga est de premier ordre.

La quantité de détails dans chaque planche rend chaque scène époustouflante. L’image ci-dessus en est la meilleure illustration. Les lignes nettes, les motifs et les subtilités font de ce manga un favori primé.

Tous les lecteurs de manga qui ont déjà lu Vagabond placeront immédiatement ses illustrations en haut de leur liste des « meilleures ». Takehiko Inoue en est également le créateur.

Dans Vagabond, il reprend son dessin classique de Slam Dunk et le fait passer au niveau supérieur. Remarquez comment il utilise les ombres et les dégradés dans cette scène.

Différentes nuances de noir et de gris sont volontairement superposées. Les personnages ne sont pas pour autant noyés dans la masse, car ils se détachent toujours de l’arrière-plan.

Dans ces panneaux, Miyamoto Musashi se visualise dans une forêt alors qu’il s’efforce de lâcher prise.

Takehiko Inoue utilise son art pour parler dans cette scène, les yeux de Musashi passant de la surprise à la sérénité.

La quantité de détails dans la forêt est également réfléchie et met en évidence le caractère merveilleux du personnage.

Kentaro Miura est un maître de l’art, et son travail dans Berserk le prouve. Les fans diront même que chaque chapitre possède une planche digne de figurer sur cette liste.

L’image ci-dessus représente Ganishka au moment où l’Arbre-Monde commence à prendre racine. Le point de vue que Miura nous donne est celui des fermiers.

À ce stade, ils ne sont pas conscients de ce qui les attend. Tout ce qu’ils peuvent faire, c’est s’arrêter et regarder avec stupéfaction.

De plus, l’ombrage et les détails de ce paysage sont impeccables. À tel point que si l’on enlève les chevaux et les fermiers, on peut presque imaginer qu’il s’agit d’une peinture de Van Gogh.

Combien de personnages distincts voyez-vous dans ce panneau ? Cinquante ? Allez, devinez.

Non. Il y en a 147 personnages dans cette planche. La quantité de planification et d’élaboration que Miura a mis dans cette scène est inimaginable.

La composition est particulièrement remarquable. Remarquez que dans cette mer de 147 personnages, vos yeux sont immédiatement attirés par les personnages principaux.

Les branches et les fées servent de cadre. Il s’agit véritablement de l’une des planches les plus profondes jamais dessinées.

Dans cette scène, un monstre démolit l’école. Il déchire les couloirs, et vous pouvez voir le mouvement sur la partie gauche de la page. On a l’impression que les murs se dilatent pour l’accueillir.

Les mélanges entre le noir et le gris sont transparents et l’anatomie du monstre est réaliste.

Il est intéressant de noter que le monstre a des mains humaines, alors que Jagasaki a des mains de monstre. Cela ajoute à la complexité du tableau.

Gantz est un trésor de dessins merveilleux. Le niveau de dimension de cette planche est stupéfiant.

Vous regardez quelqu’un regarder les robots détruire la ville. La complexité est telle que l’on pourrait croire qu’il s’agit d’une scène de film.

Yusuke Murata a sans doute créé quelques-unes des plus belles planches de l’histoire du manga. Regardez celle du chapitre 132. Les détails et l’utilisation de la lumière et de l’obscurité sont exquis.

Remarquez les rayons de soleil et les fuites de lumière qui traversent la terre, ce qui la rend beaucoup plus réaliste.

Il serait plus raisonnable de penser qu’il s’agit d’une photo plutôt que d’un dessin, mais il a vraiment dessiné cela. Le niveau de talent et de compétence est tout simplement stupéfiant.

Et puis il y a cette planche de l’invasion Boros. Au-delà des détails de la fumée et de la ville, la taille de Saitama à côté du navire de guerre nous donne une bonne idée de l’échelle.

L’ennemi est énorme, et cela nous laisse entrevoir la bataille à venir. Cette planche est à la fois techniquement et émotionnellement brillante.

Inuyashiki a également été créé par Hiyora Oku, le même mangaka que Gantz.

Dans cette planche, vous pouvez voir comment il utilise des techniques plus propres pour représenter le chaos et la dimension. I

il utilise des gris pour créer la fumée et la ville, mettant en valeur le manteau noir d’Inuyashiki.

La simplicité apparente de la scène ajoute à sa grandeur. Hitora Oku nous montre qu’il n’a pas besoin de dessiner des robots pour nous faire sentir que le danger menace.

Un spectaculaire accident de voiture avec un personnage principal prêt à se mettre en marche suffit.

Shin-ichi Sakamoto est célèbre pour son utilisation délibérée du noir et du blanc dans ses tableaux.

Celle-ci est particulièrement éblouissante, car on a l’impression de voler avec les oiseaux vers la lumière. Les lignes sont nettes et l’on perçoit l’ombre lorsque les oiseaux tournent à l’approche du soleil.

On retrouve ici une technique similaire, puisqu’il utilise différentes nuances de crayons pour créer la scène.

Cela ajoute au poids de la scène, alors que deux amis se lancent dans leur aventure la plus dangereuse.

La neige est distincte du sol, et la nuit est déchiffrable à partir de leurs cheveux et de leurs vêtements.

Hiroaki Samura utilise une technique proche de l’esquisse tout au long de ce manga. Cette technique est à la fois gracieuse et non conventionnelle.

Les personnages sont clairement rendus et les arrière-plans sont simples et de bon goût.

Cette technique est fidèle aux racines historiques du manga, ce qui permet au lecteur de distinguer plus facilement l’art.

Lorsque Marie-Antoinette est plongée dans ses pensées, le mangaka Sakamoto Shinichi utilise des séquences oniriques. Par exemple, cette planche donne une impression éthérée. Elle est détaillée, belle, romantique.

Mais ce qui la distingue, c’est qu’elle contraste fortement avec le thème général du manga.

Innocent Rouge explore la torture sadique et les exécutions rapides. Le fait que Marie-Antoinette ait des cadres tranquilles comme celui-ci donne un caractère poignant à sa mort.

Hideout est un manga d’horreur qui mérite sa place dans le genre. Cette planche est à elle seule terrifiante.

Kirishima est sur le point d’être attaqué par cette créature mangeuse de chair, mais il vous regarde fixement. Cela en dit long sur la progression du danger.

De plus, l’utilisation de l’obscurité par Masasumi Kazuki dans cette scène est sublime, parfaite pour la narration. Le panneau vous frappe, tout comme l’art de l’horreur devrait le faire.

Les fans de MHA confirmeront que cette scène mérite une place dans cette liste.

La main d’Overhaul traversant les panneaux pendant que Midoriya saute en arrière est ingénieuse. C’est aussi tridimensionnel que possible.

Ajoutez à cela le fait qu’il s’agissait d’un combat à fort enjeu et sous haute tension. Ces éléments s’ajoutent les uns aux autres pour créer un panneau de manga de premier ordre.

Celui du chapitre 255 était glaçant. Shirakumo semblait partager un corps avec Kurogiri, et il y avait un conflit intérieur.

C’est étonnant de voir comment Horikoshi a réussi à transmettre autant d’émotions à travers les yeux et le style de l’esquisse.

Entendez-vous la chanson du générique ? Cette planche suscite cette émotion. L’unité, la camaraderie et la confiance entre les généraux Qin sont palpables. C’est tout simplement emblématique.

In this panel, you can see Tsubasa Hanekawa reading a book. It’s mundane, and that’s what makes it great.

The scene is so intricate that it feels as if you were transported to where she is. It’s peak shoujo, even though Bakemonogatari is not.

Ce panneau du chapitre 4 de Coffee Moon est de l’art pur. Dans cette scène, Pieta utilise son parapluie spécial pour contrôler le temps.

Ainsi, les gouttes de pluie qui tombent sur le sol et les éclaboussures d’eau donnent l’impression d’un plan fixe. C’est le monde à la vitesse de 1/60.

Junji Ito est un maître de l’horreur, et cette planche le prouve. Au premier coup d’œil, vos yeux seront naturellement attirés par le gros œil.

Puis votre regard se déplace vers le bas, et vous remarquez la jeune fille sur une croix.

Ce qui est étonnant, c’est que ce petit détail en ligne change tout le ton de la scène.

L’œil énorme peut provenir de n’importe quel manga shounen, mais ensuite il y a la fille. La scène devient soudain beaucoup plus terrifiante.

Il s’agit du monde infini d’Halloween du chapitre 70. Ce panneau évoque le surréalisme, car il évoque l’immensité de l’univers.

On ne peut qu’imaginer le temps que Tatsuki Fujimoto a passé à dessiner ces minuscules livres.

Ici, le Père Noël est tombé dans un puits sans fond de la connaissance de l’univers.

Il est petit par rapport aux étagères, ce qui sous-entend que les humains sont insignifiants dans le grand ordre des choses. L’image contient des métaphores sans même utiliser de mots.

S’il y a bien une chose dans laquelle Chainsaw Man excelle, c’est dans la narration visuelle.

Il n’y a pratiquement aucun dialogue dans le manga, mais les images parlent d’elles-mêmes. C’est du gore absolu, mais inspiré.

Dans cette scène, Denji se transforme complètement en Chainsaw Man pour la première fois. Il tue ensuite le démon de l’enfer en un seul coup.

Voici Denji avec le sang du Diable de l’Enfer qui gicle. Les coups sont violents, mais il est calme. C’est l’un des moments les plus emblématiques de la série.

Cette planche est une pièce contemporaine, et on dirait qu’il est né de l’architecture, de l’ampleur du décor. Il s’agit véritablement d’un pays de lustre.

Astroid est un manga dont l’art est plutôt éclectique. Cette planche contient l’un de ses moments les plus doux et les plus épurés.

Les tourbillons créent une sorte d’illusion d’optique. La galaxie, la planète et le sol semblent ainsi morcelés.

L’utilisation du noir et blanc avec peu de gris est caractéristique, ce qui ajoute à la caricature visuelle.

Le manga Memories of Emanon est dessiné sur des thèmes sombres. Ici, Emanon est trempée alors qu’elle marche dans la forêt.

Elle semble alors briser le quatrième mur, établissant un lien avec le lecteur.

Shinji Kajio utilise des techniques de trait similaires sur les cheveux d’Emanon et les arbres environnants.

Cela crée une atmosphère et implique la singularité d’Emanon par rapport au monde qui l’entoure.

L’utilisation de la distorsion et de la direction dans ce panneau du chapitre 35 est brillante. Ici, Hatori est en chute libre alors que Ruth s’approche pour la rattraper.

La situation est dangereuse, mais elle remarque l’émerveillement dans ses yeux. Elle ne peut pas s’en empêcher, car elle a littéralement une vue plongeante sur le ciel de la nuit.

Discommunication est pleine de planches détaillées et labyrinthiques. Celle-ci est sans doute la plus complexe.

Riichi Ueshiba est un maître de la complexité. Où que vous regardiez dans cette planche, vous remarquerez quelque chose de différent.

Dans la partie centrale gauche du panneau, vous trouverez quelqu’un qui ressemble à Robin de Batman.

En bas à droite, un homme lit un journal. Et en plein milieu, un signe de paix avec trois doigts.

Le travail de fond sur Sanzennenme no Kamitaiou est impressionnant, c’est le moins que l’on puisse dire.

Remarquez que les personnages principaux sont en noir et blanc et que la lumière les éclaire. L’arrière-plan est quant à lui plat et gris. Cela donne de la dimension et de l’épaisseur à la planche.

Le fait que ce manga soit sous-estimé n’enlève rien au fait qu’il s’agit d’un art supérieur.

Gigantomakhia est une science-fiction écrite par Kentaro Miura, l’auteur de Berserk. Comme vous pouvez l’imaginer, les images sont tout aussi stupéfiantes.

Il utilise des techniques de dessin similaires, mais à plus grande échelle. C’est pourquoi les fans affirment que Gigantomakhia a été conçu pour permettre à Miura d’exercer ses talents de dessinateur.

Cette planche illustre le début des guerres tribales. La construction du monde est spectaculaire, et cela a été merveilleusement réalisé à travers l’art.

Le regard d’horreur d’Ogun souligne la perspective qui nous est donnée. De ce point de vue, la menace de l’Empire devient réelle.

Sur cette page, nous voyons tous les éléments qui rendent l’art de Made in Abyss unique. Les personnages sont construits dans des formes rondes.

L’arrière-plan conserve un ton moyen pour apporter une valeur tonale plus large à l’environnement. Cela contraste avec la lourdeur du contenu et de la narration.

Dans cette planche, Tsukushi Akihito utilise la lumière et l’ombre pour faire de Reg et de Faputa le centre de la page.

Il utilise le contraste pour guider les yeux du lecteur et les compositions sont excellentes.

Cette planche est tirée du chapitre 339. Gon et les chasseurs amateurs observent des cygnes à petit bec. C’est un moment parfait pour l’image, et Yoshihiro Togashi utilise différents styles artistiques.

Pour les cygnes à petit bec, il a utilisé la technique du pointillé. Pour les personnages principaux, il s’en est tenu à des contours nets.

Il les place ensuite tout en noir sur une toile de fond lumineuse, faisant d’eux le point de mire.

N’importe quel fan de Hunter x Hunter serait capable d’indiquer ce qu’est cette scène. Elle est légendaire.

Cependant, même un non-lecteur peut regarder ce panneau et reconnaître son caractère poignant.

Alerte au spoiler : Komugi et Meruem aux côtés l’un de l’autre au moment de leur mort. C’est d’autant plus touchant qu’ils ont choisi de mourir ainsi.

Dans un revirement improbable, le plus puissant des méchants a succombé à l’amour. La simplicité de l’art fait ressortir la solennité du moment.

L’utilisation de l’obscurité et de l’étalonnage des noirs dans ce panneau le rend très fort.

Cela peut sembler simple, mais Masakazu Katsura a réussi à rendre cette scène exceptionnelle grâce aux ombres. Le dessin est très net, comme s’il avait été créé pour un anime plutôt que pour un manga.

Cet affrontement au shuriken entre Sasuke et Itachi est merveilleusement réalisé. Il mérite une place dans cette liste.

Les lignes décrivent les mouvements et les yeux féroces soulignent l’intensité de la scène.

Ensuite, il y a l’utilisation unique d’une disposition géographique. Tout cela donne un tableau visuellement satisfaisant.

Cette planche représentant le retour de Naruto à Konoha est très appréciée des fans, et ce pour une bonne raison. Tout d’abord, elle suscite la nostalgie des fans de longue date.

Deuxièmement, l’illustration est délibérément agrandie. Enfin, l’angle de vue donne l’impression que l’on se trouve sur la plate-forme avec Naruto et que l’on regarde la ville.

Il possède à la fois les éléments émotionnels et techniques nécessaires pour susciter l’admiration du lecteur. Masashi Kishimoto sait certainement ce qu’il fait.

Bien sûr, nous devons inclure dans cette liste la planche la plus emblématique du manga, celle du Shinra Tensei.

Ce plan aérien de Konoha avec le destin qui s’annonce est stupéfiant, c’est le moins que l’on puisse dire.

Elle est si bien réalisée que l’on peut identifier les décors précédents comme s’il s’agissait d’une carte.

Dans le coin inférieur gauche, on peut même voir le bâtiment de l’hôpital où Sasuke et Naruto se sont battus.

Cette planche ne semble pas grand-chose à première vue, mais tant de couches la rendent spectaculaire. La façon dont Zoro est encré en noir alors qu’il revient d’entre les morts a fait s’arrêter M. One.

Il ne s’agit que d’une planche du combat, mais nous avons déjà une idée de la façon dont il va se dérouler.

Ici, Eiichiro Oda utilise la perspective à un point. C’est une façon de créer une illusion de profondeur. Nous avons alors le point de vue d’un spectateur, prêt à regarder le combat se dérouler.

Celui-ci est spectaculaire. Dans cette planche, Kaido se révèle être un dragon d’azur. Sa forme bestiale fait la moitié de la taille d’une petite ville ; il domine tout le monde.

L’étendue de son corps de serpent, les flammes et les fumées, et les proportions sont impressionnantes, c’est le moins que l’on puisse dire.

Il s’agit de la célèbre explosion de Neo Tokyo dans Akira. Katsuhiro Otome a utilisé une quantité massive de hachures pour montrer le volume de la sphère.

Il aurait pu se contenter de dessiner un cercle et de le remplir de noir, mais il ne l’a pas fait.

C’est parce qu’il voulait honorer le fait que des millions de vies sont perdues dans ce panneau. Il a ensuite passé toute une soirée à noircir progressivement la sphère à l’aide de fines lignes.

S’il a apporté autant de détails à cette sphère, on ne peut qu’imaginer le travail qu’il a fourni pour le reste de la scène.

Il s’agit vraiment d’une grande planche de manga créée par l’un des plus grands.

Dans cette scène, nous voyons Kaori s’éteindre après une relation tragique avec Tetsuo. Katsuhiro Otome utilise une technique plus simpliste pour cette planche.

Pourtant, elle est tout aussi profonde et provocante. Les bords déchiquetés et les vêtements déchirés soulignent la tragédie.

Il pourrait même servir d’affiche de film. Ce panneau de Tanjiro pendant la danse du Dieu Soleil est superposé mais équilibré.

On peut presque voir ses mouvements fluides lorsqu’il fend l’air avec son épée. Pourtant, on ne sent pas que la page est trop chargée, même s’il s’y passe beaucoup de choses.

Le chapitre 130 de L’Attaque du Titan contient les meilleures planches du manga, qui sont les plus explosives de toutes.

C’est Eren qui nous montre de quoi sont faits les cauchemars. On saisit bien l’ampleur de la scène. Ajoutez à cela les visages terrifiés des soldats, et vous aurez un aperçu de la destruction à venir.

Regardons cette planche d’Eren, manifestement créé pour le fan service.

Elle est considérée par les fans comme la meilleure planche de L’Attaque sur Titan, constamment utilisée comme fond d’écran et imprimée sur des posters.

Si une image est aussi bien reçue, elle doit être considérée comme l’une des meilleures. C’est tout.

Takeshi Obata est réputé pour sa capacité à créer des dessins réalistes. Ce panneau en est un exemple.

Il utilise avec succès les ombres et les mélanges pour créer des nuances visuelles.

Bien que l’action se déroule le soir, il donne l’impression que le clair de lune se reflète sur les capes des personnages.

Et leurs yeux, baissés, traduisent exactement ce qu’ils ressentent lorsqu’ils se rendent à la falaise.

Ce manga est classé dans la catégorie suspense et horreur. Cette planche en donne un aperçu.

Seiko est dessinée en hachures. Cela la rend terrifiante et laisse présager ce qui va suivre.

Ensuite, il y a le regard effrayé et sombre de Seiichi. Il saisit le moment où il se rend compte que sa mère est dangereuse.

Le contraste entre les personnages évoque également la dérive de leur relation.

Il est étonnant de constater que l’ensemble du panneau semble être dessiné avec différentes nuances de lumière. Tout semble irisé lorsque le soleil brille sur Mirai et Nasse.

Les plumes et les traînées de lumière qui les entourent soulignent l’instant. Pendant ce temps, leurs regards semblent immobiles, émerveillés.

C’est une belle respiration dans un manga par ailleurs plein d’action.

Alita dans cette planche est tout simplement magique. Le chaos l’entoure, et pourtant elle est là, au centre de tout. Les débris semblent flotter et se figer autour d’elle.

C’est comme si le monde s’était arrêté et qu’elle avait commencé à rassembler le pouvoir en elle. C’est le calme avant la tempête.

Uzumaki vous fera littéralement tourner la tête. Il s’agit d’une histoire d’horreur, donc les éléments sont censés vous mettre mal à l’aise et vous donner le vertige.

C’est ce qu’évoque cette planche. Il y a des tirets, des hachures, des gribouillis, des spirales et des lignes entrelacées. Ils sont censés être écrasants les uns à côté des autres.

Si le style vous est familier, c’est parce qu’il a également été créé par le mangaka d’Oyasumi Punpun.

Dans cette planche, nous voyons Koume contempler l’eau. Les vagues qui frappent le sable montrent un mouvement fidèle à la réalité.

Quant aux barrières marines, elles offrent une texture et un contraste saisissants. Pourtant, ils semblent tous trop proches.

Nous regardons ensuite vers l’extérieur, et nous voyons une étendue ouverte avec des oiseaux.

Cela représente la liberté et permet au personnage de respirer. Le lecteur ressent alors la sensation que Koume éprouve à ce moment-là.

C’est une image que l’on attendrait d’un livre sur la nature, pas d’un manga. L’attention portée à chaque animal est impressionnante. L’ombrage de chaque animal est impeccable.

Pourtant, Gon n’est pas noyé dans la masse des autres animaux. Les contours de sa tête et l’ombrage de ses yeux le font ressortir de la foule.

Homunculus dans son ensemble est un régal visuel. Prenons par exemple ce panneau. Il a une profondeur qui le rend réaliste. En effet, c’est comme si nous étions dans la scène, en train de marcher.

Les lignes fines et les textures des vestes ajoutent à cette sensation. La foule qui se forme au loin contribue également à créer cette dimension.

En regardant de près, on peut voir les différentes techniques utilisées pour dessiner cette planche.

Les hachures croisées et diagonales sont impeccables. Elles donnent à l’image sa texture et sa dimension.

Les pointillés de la zone inférieure rendent l’image encore plus impressionnante.

Kanoe est ainsi le seul élément à être correctement estompé. Ainsi, il ressort même avec la merveilleuse toile de fond.

Au premier coup d’œil, les yeux sont attirés par la montée apparemment sans fin de l’escalier.

Puis, en regardant plus bas, on aperçoit Killy. C’est une représentation parfaite de la taille qu’il semble avoir au milieu de « la ville ».

Ensuite, il y a les lignes épurées et sombres, parfaitement dessinées par Tsutomu Nihei. Cette planche a nécessité beaucoup de temps, de hachures et de mélanges.

Boichi a vraiment réussi son coup avec ce panneau. Le brossage doux des nuages se marie parfaitement avec les lignes nettes des montagnes.

L’ombrage donne à la planche un aspect réaliste, à l’exception des éléments de manga sur le corps de Ken.

On dit qu’il est basé sur le « Wanderer Above the Sea of Fog » (Vagabond au-dessus de la mer de brouillard) de Casper David Friedrich.

Voici un autre exemple impressionnant de Sakamoto. La dynamique de cette planche est stupéfiante.

La lumière et la légèreté de l’enfant contrastent directement avec le cimetière et le château en arrière-plan.

Les pétales qui tombent évoquent en quelque sorte le printemps, alors qu’ils tombent dans un endroit où la mort repose. C’est parfait pour une histoire d’horreur gothique comme celle-ci.

Avertissement : cette planche est un peu graphique. Pourtant, Sakamoto Shinichi a réussi à la rendre quelque peu romantique en utilisant des lignes de contour.

Il capture à la fois la brutalité et la beauté de l’ère victorienne. Le talent nécessaire pour dessiner quelque chose comme ça ne peut pas être sous-estimé.

Si vous voulez un manga qui vous choque par son art et son histoire, Dorohedoro est celui qu’il vous faut.

Il suffit de regarder le travail au trait sur cette planche du chapitre 19.

L’action se déroule dans un égout. Les lecteurs peuvent se faire une idée de la noirceur de l’endroit rien qu’avec l’ombrage et les détails rugueux.

L’eau est peut-être noire, mais les éléments environnants captent davantage l’attention grâce à leurs détails.

Cette planche reflète bien à quel point Yona a changé. Ses yeux sont sages et profonds.

L’ombre qu’elle porte est légère, presque effacée. Son épée parle de bataille.

Elle n’est plus la princesse naïve qu’elle était. Il est impressionnant de voir comment Mizuho Kusanagi a réussi à capturer tout cela dans cette image.

Pouvez-vous imaginer le niveau de détail de cette scène ? Les dimensions de ce planche sont fascinantes et valent la peine d’être observées.

Pour l’essentiel, l’art de Black Clover ressemble à celui de n’importe quel autre manga shounen. Mais il y a des exceptions comme celle-ci.

Cela s’est produit au chapitre 314, lorsque la porte de l’Arbre de Qliphoth s’est ouverte.

La foule de monstres montre à quel point le combat peut être écrasant. Les lignes et les détails sont censés représenter le chaos et la perturbation aux yeux du lecteur.

Par ailleurs, l’utilisation d’un noir intense sur tous les autres espaces met l’accent sur le « monde souterrain ».

Dans cette planche, nous voyons Adam se battre avec Zeus. Alors que Zeus est le plus puissant pour ses coups et son endurance, Adam les copie et les décuple. C’est pourquoi nous avons le bras des poings qui passe à travers.

Il suffit de regarder cette planche pour se rendre compte à quel point le combat est écrasant.

Il y a un effet 3D qui a été obtenu en créant plusieurs couches. Nous avons le sol, puis Zeus, puis les poings, puis les mots.

Hirohiko Araki est un génie. Les planches de Jojo’s Bizarre Adventure sont uniques, complexes et excellents.

Cette image est la dernière planche de Stone Ocean et signifie la fin de plus d’un siècle d’aventures. Le fait d’avoir tous les personnages dans le ciel comme cela est doux-amer et significatif pour les fans.

De plus, d’un point de vue objectif, il est facile de voir que l’art mis dans cette image est significatif.

Les lignes utilisées dans l’averse sont douces mais frappantes. Les personnages et le décor se chevauchent sans pour autant être écrasants.

Ken Wakui a vraiment fait un carton avec cette série. Ici, nous voyons le Tokyo Manji Gang faire face à ses rivaux.

L’éclair placé en plein milieu des deux gangs donne de la tension. Il signifie également la séparation entre eux.

Nous pouvons également observer qu’un côté est représenté comme la lumière, et l’autre côté comme l’obscurité.

Ainsi, bien qu’ils aient des positions similaires, ils dégagent des vibrations différentes.